彭玮：拒绝标准答案，拥抱所有可能

2011年，一群热爱艺术的追光者，怀揣着为青年创作者“做点实事”的朴素心愿，拉起了青年艺术100的大旗。这不是一场按部就班的艺术展演，而是一场漫长的、充满未知的征途。14年来，它在大时代的浪潮中前行，时而迎着狂风破浪，时而在暗流中艰难转向，但始终朝着为青年艺术“开疆拓土”的方向坚定航行。从一群怀揣梦想的志同道合者，到汇聚无数闪耀的艺术之星；从摸索着搭建最初的展示平台，到构建起涵盖展览、奖项、教育等多元领域的艺术生态，始终以自己独特的方式书写着青年艺术的成长史。

2025年100青年艺术季海报

2025年，青年艺术100又站在了新的起点，以“N”为全新100青年艺术季主题，开启新一轮周期的无限可能。值此之际，《库艺术》对青年艺术100联合创始人彭玮进行了一次深度专访，从她系统全面的阐述中去了解这些成就背后有着怎样的思考与规划，并探寻青年艺术100未来的发展脉络与愿景。

中央美术学院副研究员 & 青年艺术100联合创始人彭玮

专访彭玮

“N”开启的新一轮周期

库艺术=库：2025年的100青年艺术季主题为“N”，其中有怎样的含义？在此主题下，本季青年艺术100有哪些改变和突破？

彭玮=彭：自2016年起，青年艺术100每年提炼一个关键词，逐渐形成年度主题词传统，以此表达主办方对青年艺术创作的观察与思考。今年，青年艺术100迎来全新起点，启用新场地，焕新面貌，开启新的周期。在反复思考斟酌后，我们以字母“N”作为年度主题，主视觉回归经典玫红色。这既是对初心的回望，也是对项目创立初衷的再审视——过去的设想是否达成？实践是否精进？未来又有哪些可能性？

对我们而言，“N”这个字母绝不仅是一个简单符号，而更像是青年艺术的一个“元方程”。字母N本身就暗藏着无限可能——既是“Now”（此刻）的起点，也是“New”（崭新）的象征，包含着“NOVA”（新星）的爆发力，更预示着“Next”（未来）的无限延伸。“N次方”意味着每一次创新都会指数级地迸发能量，象征青年艺术的前沿探索与无限潜能。选择“N”作为主题，其实是呼应我们平台十四年来一以贯之的精神：拒绝标准答案，拥抱所有可能性；不设定中心权威，而是去构建一个分布式的创造网络。特别是在今天这种“不确定”的时代背景下，我们希望通过“N”这个棱镜折射出当下的锋芒与温度——不仅被动记录时代，更要以创造积极介入现实。

今年在“N”的主题下，平台在内容和形式上都有一些新的变化和突破。首先，我们在年度展的作品构成上更加多元化。以往可能绘画、雕塑居多，而这一次我们邀请和遴选了更多跨媒介的实验性作品，例如互动装置、影像、新媒体艺术等，希望展现青年艺术家在数字时代的全新表达。其次，我们尝试让展览成为一场“未完成的视觉实验”，鼓励策展团队和艺术家大胆打破平面与立体、静态与动态的边界，让观众身临其境地感受“N”所代表的那种持续演变的状态。再次，本季我们在平台运营上也进行了一些重要升级，比如发起“艺术生态联盟”——与新的合作伙伴携手，为青年艺术提供更丰富的资源支撑。这些改变都是围绕“N”所蕴含的精神展开的，我们希望以此为契机，将青年艺术100推进到一个崭新的发展阶段：既坚守“先锋发现”的初心，又不断裂变出面向未来的成长维度。

库：能否展开谈谈“艺术生态联盟”这一全新合作模式是如何整合学术、市场与公共资源？对青年艺术产业化有何推动作用？

彭：“艺术生态联盟”是我们今年一个非常重要的举措。简单来说，它是把学术界、艺术市场和公共资源有效地连接起来，形成支持青年艺术家的合力。过去，青年艺术家的发展往往面临一种割裂的状态：学院有学院的体系，市场有市场的规则，而公共领域（比如公共教育、社区文化等）又是另一个系统。这样的碎片化让青年艺术家在成长过程中常常无所适从。我们希望通过与星地中心、影易艺术空间等不同领域伙伴的联手，打通这些壁垒。

在这个联盟中，学术资源提供了方向和深度。比如各大美术院校、美术馆等学术机构的专家学者会参与我们的策展和评选，为青年艺术家的创作提供专业的学术评鉴和引导，确保平台始终站在当代艺术讨论的前沿。市场资源则由影易艺术空间这样的机构来贡献——他们在艺术品运营、收藏推广方面有丰富经验，可以帮助优秀的青年艺术家对接画廊、藏家，提供职业发展的机会和市场反馈。至于公共资源，像星地中心毗邻798艺术区，本身是一个融合科技创新与文化创意的大型综合体，我们在这里举办艺术季，把青年艺术带进城市公共空间中；同时我们也和一些公共机构、基金会合作开展艺术普及和公益项目，让更多社会大众接触青年艺术。在联盟框架下，各方将资源共享、优势互补：例如我们可以联合举办学术论坛、公共艺术项目、艺术品公益拍卖等等，把学术的思考转化为大众语言，把市场的力量引入到人才培养中去。

通过这种“生态式”的协作，我们希望为青年艺术家打造一个从创作到传播再到变现的完整支持链条，减少他们单打独斗的艰难，让艺术才华更顺利地转化为可持续的职业道路。这对青年艺术的产业化无疑是巨大的推动——当有了体系化的支持，青年艺术不再只是零星的个体行为，而能形成一定规模的生态圈，吸引更多资金、技术、场地投入其中，良性循环地发展下去。

从左至右：影易艺术空间创始人李欣、星地艺术中心创始人曾碧冰、青年艺术100联合创始人彭玮

库：可以看出青年艺术100一直在不断思考和努力，敏锐地跟随甚至是引领这个时代。那么作为青年艺术100联合创始人，您认为过去14年推动平台发展的核心动力是什么？

彭：肯定是热爱（笑），对艺术的相信和热爱，能比万年长！这是对我个人而言，但是回望2011年我们创办青年艺术100的时候，其实非常朴素，一群热爱当代艺术、关心青年创作者的人走到一起，希望为年轻艺术家们做点实事。当时的心念很简单：给那些尚未成名却充满才华的年轻人一个展示舞台。十四年走下来，如果说有什么核心动力一直在推动着我们，我想首先就是对青年创造力的信念。每一年我都会接触到许多新涌现的年轻艺术家，他们或许青涩，但作品里有让人眼前一亮的新鲜观念和勇气。这种源源不断的创造能量是对我们最大的激励。可以说，正是青年艺术家们不灭的热情和才华，驱动着平台一路向前。每当看到一个新人因为我们的平台被更多人认识，甚至走向更广阔的舞台，我都由衷地感到欣慰，也更加坚信这件事有意义、值得坚持。

其次，我觉得持续创新的精神也是关键动力之一。我们平台有句玩笑话：“唯一不变的就是一直在变。”背后反映的是一种自我革新的主动性。时代在变，青年人的创作生态在变，如果平台因循守旧，就无法真正服务好这一代代的年轻艺术家。所以这十四年来我们在模式上不断尝试新思路，比如逐步引入奖项体系、开展跨界合作、下沉到公共教育领域等等。这种在变化中寻找新定位、新价值的过程本身，就是驱动我们前进的内在动力。最后还要提到团队和伙伴的支持。没有志同道合的团队，这个平台不可能坚持这么久；也没有各界伙伴的帮助（无论是学术界前辈还是企业赞助方、媒体朋友），我们也走不到今天。这些凝聚在一起的信念、创新精神和合作力量，汇成了青年艺术100持续十四年的源动力。

“变”与“不变”

库：如您所说，14年来“青年艺术100唯一不变的，就是一直在变”‌。在运营中，您如何平衡“变”与“不变”的关系？

彭：变化和不变听起来对立，其实在我们这里是相辅相成的关系。我常说，“变”是手段，“不变”是目的。对于青年艺术100来说，不变的是我们的初心和核心价值——也就是扶持青年艺术、倡导先锋精神这一点。从2011年到现在，这个宗旨从未改变，我们所有的决策都围绕着“怎样对青年艺术生态更有益”来展开。无论项目形式怎么调整，这个根本立场是不动的。另外，不变的还有我们对专业性的坚持，比如遴选机制的公正透明，对艺术水准的把控，这些原则性的东西不能丢。

而改变则是为了更好地实现这些初心。时代环境不断变化，我们服务青年艺术家的方式、路径当然也需要顺势而变。如果一年又一年都停留在同样的做法，可能就跟不上青年艺术的新趋势，也无法满足艺术家不断变化的需求。所以在运营中，我们鼓励拥抱变化——包括内容上的推陈出新、形式上的与时俱进、渠道上的开拓多元等等。举个例子，最初我们主要依托线下展览和画册推广，现在我们早已扩展到线上平台和社交媒体，甚至利用了一些数字化手段来推广艺术。这些都是顺应环境的改变。然而在每次做出改变时，我们都会自问：这个变化是否符合我们“扶持青年艺术”的根本目标？有没有违背我们的价值观？如果答案是肯定的，那么这个改变就是值得的，而且会让我们的“不变”初心更好落地。反之，如果某种变化可能损害了青年艺术的利益，我们宁可放弃。所以平衡“变”与“不变”，关键在于以不变的精神驾驭万变的方法，让变化成为实现初心的动力，而不是偏离初心的干扰。我想正是因为守住了这种平衡，我们的平台才能既历经十四年仍葆有活力，又始终让人一眼认出那股青年艺术100的独特气质。

100青年艺术季现场

库：在初创期（2011年）与当前深化期（2025年），您对“青年艺术”的定义是否发生了本质变化，今天您如何定义“青年艺术”的边界？平台如何回应Z世代艺术家的多元化表达需求？

彭：坦白讲，我无时不刻都在思考我们项目的问题，包括对“青年艺术”的理解这些年也在不断丰富，但核心的本质没有变。在2011年，我们提“青年艺术”，更多是指年龄和资历上的概念——大约35岁以下的年轻艺术从业者，他们处于职业生涯的早期，有潜力、有朝气，这是我们界定的主要范围。当时关注的重点往往还是这些青年艺术家的艺术才华本身：他们是否展现出与前辈不同的新观念、新风格？是否具有成为未来艺术新星的潜质？那个阶段我们定义的“青年艺术”边界相对清晰，大体就是这个群体在美术馆和市场上还是新面孔，需要被推到舞台中央。

到了今天2025年，再谈“青年艺术”，我觉得这个概念更加开放、多元，边界变得模糊了。首先，青年不光是生理年龄的概念，更代表一种创作心态和文化语境。Z世代的艺术创作者他们从小浸染在互联网和全球化的环境里，他们的艺术实践天然地融合了多学科、多领域的元素。所以当下“青年艺术”早已突破了传统美术的范畴，它可以是影像、装置、行为，甚至是数码艺术、游戏艺术、潮流设计等等各种形态的创造。只要是这一代年轻人基于自身生活经验和对时代的思考所做出的真诚表达，我都认为可以归入“青年艺术”的版图。所以今天要给“青年艺术”下定义，更像是在定义一种持续更新迭代的动态过程，而不是给出一个静态的边界。我宁愿说“青年艺术”是一种不断扩张的能量场，每一代年轻人都在往里面注入新的东西，它的边界因此一直在被拓展。

对于平台来说，我们需要做的就是拥抱这种多元化，并提供相应的支持与舞台。具体而言，我们在遴选机制上变得更加开放包容，不会因为艺术形式陌生或跨界就拒之门外。相反，我们鼓励Z世代艺术家大胆探索新媒介、新题材，只要作品有独特的思想价值。我们也调整展览的结构，让不同类型的作品都有展示空间。例如，近几年我们的年度展就有尝试整合新媒体展示单元，入围的数字艺术和互动装置类的青年艺术家在其中同台呈现。再比如针对Z世代善于运用社交媒体的特点，我们的推广也更多元，会通过线上直播、短视频等方式帮助这些年轻艺术家的多元表达触达到更广泛的受众。总的来说，我对“青年艺术”的定义从未局限在某种固有形式里，相反是越来越重视其内在精神和社会意义。而我们的平台会尽最大努力去回应新时代青年艺术家的多元需求——因为他们的多样性，正是当代青年艺术最迷人也最有力量的地方。

2025 ART NOVA 100颁奖典礼

库：多年来，“青年艺术100”通过合作建立起了针对青年艺术家的各类奖项，包括年度入围奖、莱俪青年艺术奖、诗碑家青年助力计划、凤凰艺术新星奖、建信信托艺术大奖等评选机制持续为艺术家提供支持‌。未来是否会增设更多细分领域的奖项？如何帮助艺术家应对职业化初期的生存压力？

彭：从创始之初到现在，我们和合作伙伴一起陆续推出了多种奖项和资助计划，目的都是为了优秀的青年艺术家去提供更有针对性的支持。未来随着青年艺术生态的发展，我们不排除增设更多细分领域奖项的可能。一方面，艺术的门类和实践形式在不断演变细化，新的创作领域（比如数字艺术、AI艺术、公共艺术等）不断出现，我们希望当这些领域涌现出优秀的年轻创作者时，平台能够有相应的奖项去发现和鼓励他们；另一方面，不同艺术门类的青年艺术家所面对的职业挑战也不尽相同，设立专门的奖项可以更有针对性地提供帮助。例如，也许未来我们会考虑设立“青年策展人奖”（在2020年启动的“展览主理人项目”也是变相的鼓励措施）或者“青年艺术评论奖”，从生态的各个角度去完善对年轻一代艺术从业者的激励体系。当然，这需要审慎评估和更多资源投入，但方向上我们是开放且积极的。

至于帮助青年艺术家应对职业生涯初期的生存压力，这是我们一直非常关注的问题。很多青年艺术家在离开校园、正式踏入社会的头几年，会面临经济上的不稳定、专业发展路径的不确定。这种压力如果得不到缓解，可能会扼杀一些宝贵的创造力。因此我们采取了多种方式来支持他们：首先，奖项和资助是直接的支持。比如年度入围奖、各类专项奖往往伴随着奖金或项目资助，可以在一定程度上缓解艺术家的经济压力。有的奖项还提供海外研修、驻留创作的机会，让青年艺术家开拓眼界、丰富经历。其次，我们通过展览平台和市场对接帮助他们打通从创作到收益的通路。青年艺术100的年度展本身就吸引许多藏家和机构关注，我们也会在展览期间举办收藏推荐会等活动，促进优秀作品的出售或后续展出机会，让青年艺术家尽早获得市场的正向反馈。第三，我们拟逐步建立导师计划和职业培训的机制。邀请资深艺术家、策展人给入选艺术家提供指导，或者开展艺术职业素养相关的讲座（例如如何与画廊合作、如何规划作品系列等等），提高年轻艺术家的职业能力，让他们在市场中更游刃有余。归根结底，我们希望通过一整套从经济、平台到知识支持的措施，帮助青年艺术家度过职业初期那段最艰难的时光，坚定他们走下去的信心。毕竟，每一个坚持下来的年轻艺术家，未来都有可能成为艺术生态中举足轻重的一员。

100青年艺术季莱俪青年艺术奖、建信信托艺术大奖现场

库：青年艺术100一直在推动“艺术+慈善”项目，您个人如何理解“艺术的社会价值”？是否会将其纳入艺术家扶持体系的考核维度？

彭：我一直坚信艺术不仅有审美价值，更有深远的社会价值。艺术的社会价值体现在很多方面：它能够引发公众对社会议题的关注和讨论，能够疗愈人心、凝聚共识，甚至直接参与到社会问题的解决中去。我们推动“艺术+慈善”项目，其实初衷很简单，就是想让艺术为社会公益多出一份力，也让公众通过艺术关注到一些需要帮助的群体或议题。例如，我们曾经与公益基金合作发起过义卖，邀请青年艺术家捐赠作品，将拍卖所得用于资助偏远地区的美育教育，同时也反哺资助农民工子弟在城市里的教育公平问题。亲眼看到艺术家的作品变成了实实在在的助学资金，那一刻大家都真切体会到了艺术所承载的爱心与责任感。另外还有一些项目，比如携手环保组织开展艺术展，用艺术作品呼吁环保行动；通过乡村振兴相关活动倡议征集青年艺术家们到乡村小学给孩子上美术课等等。这些都是艺术社会价值的生动体现：艺术以人们乐于接受的方式，潜移默化地为社会带来积极改变。

至于是否将艺术的社会价值纳入我们扶持体系的考量，我的看法是鼓励且引导，但不强制要求。具体来说，在遴选和奖励艺术家时，我们首先看的还是作品本身的创造性和艺术水准，这是根基。但如果一位青年艺术家的创作同时展现出强烈的社会关怀，或者他/她积极参与社会公益实践，我们一定会对这样的艺术家予以更多关注和支持。在相同条件下，这种社会价值维度或许会成为一个加分项。我们平台近几年也有意引入一些针对社会议题的专项奖项或项目资助，例如鼓励艺术家关注弱势群体、生态环境等内容。不过我也不希望因此给青年艺术家施加过多压力，好像必须要“匡扶人类”才算有价值。艺术的社会价值应该是自然而然流淌出来的，而非被硬性考核的指标。总的来说，我们会继续把“艺术向善”的理念融入平台文化之中，通过项目引导、资源倾斜等方式，激发青年艺术家的社会责任感。但同时尊重艺术多样性的本质，不给他们设限，让每个人选择最真诚的创作方向。相信随着越来越多有担当的青年艺术家涌现，艺术在社会层面的积极影响力也会不断累积扩大。

100青年艺术季现场

库：近年来“青年艺术100”与乡村振兴、绿色经济等国家战略结合，展览中也有近20%的作品涉及城市化、科技伦理等议题，平台如何引导艺术家在创作中回应社会现实？

彭：其实年轻人对社会现实的感知和回应是越来越主动了，作为平台，我们主要是搭建桥梁和提供机会，让艺术家有渠道去接触、思考并表达这些社会议题。一方面，我们在每年策展选题上都会有意融入一些与社会现实相关的方向。比如国家在推进乡村振兴、绿色发展的过程中，我们注意到不少青年艺术家开始深入乡土社区、关注生态环保，他们的作品中出现了乡村景观、土地情感或者对科技发展反思等内容。对于这些富有现实关怀的作品，我们在年度展中会给予特别的版块或策展主题来呈现。这样做一是鼓励创作者持续深耕这些议题，二是让观众也看到青年一代如何通过艺术审视社会。

另一方面，我们也主动创造一些跨界交流的契机，引导艺术家关注社会议题。举例来说，我们曾邀请环保领域的专家、科技创新的从业者与青年艺术家一起展开对话，讨论气候变化、新能源、人工智能等前沿话题。这些对话经常会给艺术家很大触动，启发他们以艺术语言介入这些议题。再比如，我们和一些地方政府、社区合作开展“艺术驻地”项目，征集、选派青年艺术家去到城乡一线体验生活，让他们亲身感受城乡发展、新农村建设中的真实故事。艺术家有了切身体验后，再回到创作中，自然会带入对社会现实更深刻的观察和思考。而我们平台会跟进支持，把这些作品带回到展览上展示，或者通过媒体传播出去。这样就形成了一个循环：社会现实激发艺术创作，艺术创作反过来影响社会认知。

需要强调的是，我们并不是要所有青年艺术家都去创作宏大社会命题——艺术表达应该是自由的。但我们希望当有艺术家愿意直面现实、发出时代之声时，平台能够成为他们坚实的后盾。无论是乡村、城市，抑或科技、人文，我们都乐见青年艺术家以他们独特的方式去回应。当下展览里将近五分之一的作品涉及这些议题，说明新一代艺术家确实在用艺术参与社会对话。这也是我们近年着力营造的风气：让“艺术与社会共振”成为青年艺术100的一种标识。未来我们会继续朝这个方向努力，比如策划更多关注社会主题的展览板块、推动艺术家与公共政策项目合作等，进一步引导和支持青年艺术以创作介入现实，在更广阔的舞台上发挥影响。

100青年艺术季现场

库：您参与发起的“艺术旌阳”等项目强调公共性。平台如何通过艺术介入社区建设，推动美育常态全民化？

彭：“艺术旌阳”是我们近年探索公共文化实践的一个标志性项目。这个项目从2021年开始在四川德阳旌阳区落地，已经持续了近四年，我们亲身感受到艺术介入乡村和城市社区所带来的巨大改变。简单介绍一下：“艺术旌阳”是一个由地方政府主导、青年艺术100提供学术和执行支持的综合性美育项目，目标是将艺术融入城乡日常生活，真正实现全民美育常态化。

在旌阳，我们做了很多具体的尝试。其一是打造社区美育空间。我们和当地政府一起，将社区的文化馆、学校甚至闲置厂房转变成艺术空间，在那里举办艺术展览、公共艺术装置展示。比如从第一年打造的西南最美乡村路上的是十几组公共艺术装置作品组成了后期艺术节中“阳光径迹”公共艺术展的基底，我们邀请艺术家结合旌阳的本地素材创作了很多户外作品，直接安放在乡村道路各重要点位，村民出行干活、外地游客到达游览都能看到艺术品。这样的方式一下子拉近了艺术和普通人的距离，让大家觉得艺术并不遥远高冷，而是生活的一部分。

其二是开展社区参与式的艺术活动。我们组织了各种工作坊和艺术实践项目，邀请社区居民亲身参与创作。举例来说，有面向中小学生的创意美术课，也有给老人开的手工艺坊，还有针对社区普通青年的涂鸦墙绘活动等等。在这些活动中，青年艺术家不再只是展示者，而是充当指导者、合作者的角色，引导社区成员一起完成艺术作品。大家在共同创作中建立了对美的感受力，也增进了邻里互动。比如我们在社区做的艺术疗愈相关的“编织计划”，意图拉近下当下邻里陌生的关系，没想到吸引了很多附近居民来围观参与。最后社区的小朋友、年轻人乃至大爷大妈都一起参与其中编织艺术品。这面社区墙成了大家共同的艺术作品，每个人路过都会跟家人朋友说“这里有我的参与”。这种主人翁式的参与感，其实就是美育在社区生根的体现。

其三是将艺术教育纳入常态化机制。我们协助旌阳区建立美育实践基地，与当地学校合作把艺术课程引入日常教学，并培训本地的美育教师队伍。通过持续不断的教育投入，让艺术素养的培养成为孩子们成长过程中的常态，而不仅仅是一年一度看场展览那么简单。去年旌阳被宣布为美育基地建设元年，我们正和当地一起完善长效机制，比如制定美育课程标准、建立艺术人才的培养和留用计划等等，争取形成一个可持续发展的示范模式。

总的来说，通过“艺术旌阳”我们看到，艺术介入社区绝不是一句口号，而是可以从空间营造、活动策划到教育体系各个层面去落地的。当艺术真正在社区扎根，公众的审美素养会在潜移默化中提高，人与人之间也多了共创的纽带。这种公共性的提升，是无法靠单向度的艺术展览达到的，一定要有互动、有参与、有长期的陪伴。我相信这也是未来美育发展的方向——让每个社区都有自己的艺术细胞，让美成为日常的一部分。青年艺术100今后也会把“艺术+社区”作为一个重要战略，争取将“艺术旌阳”的经验推广到更多地区，通过建立区域性的艺术联盟或美育基地，实现美育常态全民化的愿景。

2024艺术旌阳

“双赢甚至多赢”的平衡之道

库：刚才谈到了青年艺术100这些年很多变与不变，还有本质根基以及与社会的连接，而不可避免的我们还要回到商业合作方面，毕竟这是平台生存和发展不可或缺的基础之一。您在2023年啤酒技术峰会上提出“啤酒包装美学设计需融合青年艺术能量”‌，这类跨界合作（如艺术+食品、艺术+地产）是否代表“青年艺术100”正从单纯推广平台转向“艺术商业整合服务商”？

彭：对，这个说法是我在啤酒技术峰会上的发言。当时我分享的主题是《啤酒包装美学设计：啤酒的内外兼修之道》，其实核心观点就是探讨如何把当代青年艺术的创意融入到传统消费品中去。近几年我们确实展开了一些跨界合作尝试，包括和食品饮料品牌合作艺术包装、与地产项目合作公共艺术设计等等。这背后反映出的平台角色转变，用“艺术商业整合服务商”来形容也不为过。

回顾我们的平台定位，最初的五年主要还是专注在艺术圈内部的事——发现艺术新秀、办展览、搞研讨，这些属于艺术推广范畴。而最近几年，我们越来越感受到艺术与其他产业融合的需求在增长。一方面，青年艺术家希望拓展创作的疆域，不只局限在美术馆或画廊，而能介入更广泛的社会领域；另一方面，许多行业也意识到艺术可以为他们赋能，比如提升品牌文化内涵、优化空间环境品位等等。青年艺术100恰好处在连接艺术与各行业的节点上，我们天然地有资源和能力去扮演这个桥梁角色。所以，我们开始主动尝试跨界项目：例如和某啤酒品牌合作，由我们的艺术家为其新品设计包装和视觉形象，把艺术概念融入啤酒的品牌故事中。再如与地产商业综合体合作，在公共空间里植入青年艺术家的雕塑和壁画，使建筑空间充满艺术活力。这些合作都取得了非常不错的反响。企业方面觉得产品有了亮点、文化价值提升了，艺术家方面也获得了新的创作平台和收入来源，公众则在日常消费中多了一份艺术惊喜，可谓一举多得。

因此我会说，青年艺术100正在积极且笃定的从单纯的艺术推广平台，逐步拓展为艺术商业融合的策划者和服务提供者。我们不仅仅发现和展示艺术作品，还参与到将艺术植入社会各种场景的过程之中，为不同业界提供“艺术+”的整合方案。当然，我更愿意将此理解为我们使命的自然延伸，而不是简单地商业化转型。因为无论形式怎么变，我们最终做的事情仍然是为了让青年艺术发光。以前是在美术馆里发光，现在可能是在啤酒瓶上、在社区花园里、在各种你意想不到的地方发光。这其实比起只办展览，更有挑战也更有意义。它要求我们既懂艺术也懂行业需求，充当翻译和纽带，把青年艺术家的能量输送到更广阔的社会领域去。我想未来“青年艺术100”会越来越多地呈现出这种跨界融合的特色，我们乐于承担起这样的整合服务角色，为艺术在商业和公共领域的落地架桥铺路。

彭玮在2023第六届中国国际啤酒技术高峰论坛作《啤酒包装美学设计：啤酒的内外兼修之道》主题报告

库：未来是否计划拓展更多跨领域合作，并将此类模式进行标准化输出？平台如何确保艺术性与商业目标的平衡？

彭：就像刚才说的，我们确实有计划继续拓展跨领域的合作深度和广度。过去的尝试给了我们很大信心，也摸索出一些经验。未来我们考虑涉足的领域还包括科技、时尚、教育等。比如科技领域，我们已经在和一些科技公司探讨，把青年艺术家的创意与AR/VR、数字交互结合，创造新型的艺术娱乐产品；时尚领域，也有品牌希望和我们合作推出艺术家联名款服装和潮流商品；教育领域，我们甚至在想能不能开发艺术+科普、艺术+研学的课程产品，把艺术融入青少年教育。可以说，“艺术+”的可能性非常多，我们才刚刚开始尝试。而一旦某些模式验证行之有效，我们也希望能够标准化输出，让更多地区、更多行业复制这些成功经验。这可能会采取类似咨询或顾问的形式，我们把“青年艺术+某行业”的合作流程、资源网络、案例成果整理成方法论，输出给有需求的机构。这实际上也是在更大范围推广青年艺术，让我们的影响力从自有平台扩展到整个社会系统的一种方式。

在这个过程中，艺术性与商业性的平衡始终是我们最在意的问题。跨界合作本身充满了机遇，但如果处理不好，也可能伤害艺术本质，流于俗套。为此，我们平台在每一个合作项目上都会把控几个原则：第一，选择契合艺术精神的合作方。也就是说，我们倾向于和那些理解尊重艺术价值的企业或机构合作。如果对方纯粹把艺术当噱头、不顾艺术家表达，我们一般不会考虑。只有双方价值观契合，才能做出真正有品质的东西。第二，在合作推进中，我们坚持让艺术家具有主导性的创作空间。商业目标当然要顾及，但艺术家的创意不能被过度绑架，我们会在中间做沟通调和，找到艺术表现与商业诉求的交集而非让一方完全妥协。拿啤酒包装项目来说，我们说服企业接受了艺术家颇为先锋的设计方案，并非简单印个漂亮图案了事，而是真正在包装上讲了一个艺术概念故事。这种深度参与让作品既有艺术感染力，对品牌来说也独一无二。第三，我们会对合作成果进行公众反馈的观察和评估。如果发现某种合作模式最终大众并不买账，觉得艺术质量下降了，我们会及时反思调整，不一味追求商业利益。毕竟，“艺术+商业”要走长远，必须让消费者/观众感到这是有品位、有意义的，而不是生硬的营销。

可以说，我们在探索一种“双赢甚至多赢”的平衡之道：艺术因为有了商业支持得以走出象牙塔，商业因为融入艺术变得更有温度和生命力，而公众也从中获得美的享受。如果这三方都能从合作中受益，那艺术性和商业性的平衡也就实现了。青年艺术100未来会以此为标准来筛选和打造跨界项目，稳步标准化可复制的模式。但即使标准化，我们也不会让艺术变成流水线，我们输出的是合作的方法论而非千篇一律的内容，每个具体项目中艺术创意依然要因地制宜、独一无二。这也是平衡的另一层含义：标准化流程不等于标准化创意，我们要保留每次艺术实践的新鲜与独特。作为底线，这点我们心里有很强的意识，会始终守护。

100青年艺术季现场

与现实共振

库：您认为未来十年中国青年艺术家最需要突破的能力是什么？是技术创新、社会议题敏感度，还是商业化思维？

彭：这个问题挺有意思的，也是我们经常和同事、评委老师讨论的。未来十年，艺术环境变化迅猛，青年艺术家要脱颖而出，确实需要比以往更多元的能力储备。如问题所述提到的技术创新、社会议题敏感度、商业化思维都是非常重要的素质，我很难说哪一个完全比另一个更重要——理想的情况下，我们希望下一代的艺术家能够成为“全能型”人才，兼具创意、洞察和运营能力。但如果一定要强调一个核心，我个人会更看重对时代和社会的敏锐洞察力，也就是您说的社会议题敏感度背后所代表的那种与现实共振的能力。

为什么这么说呢？技术和商业其实更像实现艺术价值的手段或渠道，而艺术最终能走多远，我认为取决于作品本身能否深深打动人、引发共鸣。而能打动人的，一定是艺术家对自我和所处时代有独特而深刻的认知，并将其转化为了具有感染力的作品。这种认知和转化能力，建立在对社会、人性敏锐观察之上。技术创新当然也非常关键，当下新技术层出不穷，艺术家不去了解运用可能就落后了时代语言。不过技术终究是服务于内容的。如果艺术家只是炫技而缺乏对生命、对社会的思考，作品容易流于空洞花哨。所以我会鼓励青年艺术家首先让自己成为一个有思想、有担当的人，对周遭世界保持好奇和关切，培养自己独立思考的深度。在这个基础上，再去学习掌握新技术、新媒介，把它们变成表达思想的利器。

至于商业化思维，我觉得这是中国青年艺术家未来必备的“生存技能”，但不应喧宾夺主。我们常常看到有才华的年轻人因为不谙市场规则，走了不少弯路，甚至中途放弃艺术理想。所以了解市场、懂得推广自己、善于与各类平台合作，确实是未来艺术家需要突破的能力之一。但这并不意味着艺术就要迎合市场。恰恰相反，我认为真正具有商业竞争力的艺术，往往是那些最具个人独特性且契合时代精神的作品。市场其实很灵敏，你有真材实料，它迟早会给予回馈。所以商业思维更多是帮助艺术家把自己的价值更有效地推向社会，而不是让他们去迎合社会已有的口味。这一点需要厘清，否则走偏了就本末倒置。

总结一下吧：未来的青年艺术家，恐怕要做“杂家”——既要做得了学问，紧跟科技前沿，也要下得了田野，体察社会脉搏，还得懂得基本的经营推广。这听起来要求很高，但我们这一代艺术生态建设者也在努力营造条件，让年轻人更好地习得这些能力。不管怎样，我对中国青年艺术家的创造力始终怀有信心。我相信只要他们保持对艺术的热爱和对时代的敏感，不断学习新知、拓展视野，就一定能在未来十年不断突破，去开创一些我们现在难以想象的新局面。

100青年艺术季现场

库：您认为未来十年中国青年艺术生态需要哪些结构性变革？“青年艺术100”在其中希望扮演怎样的角色？

彭：这是个宏大的问题，谈到未来十年的青年艺术生态，我觉得有几个方面的结构性变革是值得期待也是必须推动的。首先是教育与职业衔接的变革。目前很多青年艺术家在校园里接受的教育，与他们走向社会后的生态环境有一定脱节。我希望未来美术教育本身会更加开放、多元，让学生在校期间就有机会接触市场运作、跨界合作、国际交流等内容。这需要教育体系的革新，也需要像我们这样的社会平台介入，搭建产学研融合的实践机会。比如，我们可以联合艺术学院建立实践基地或青年策展人计划，让学生提早参与真实的项目。这将大大缓解“毕业即失业”或茫然无措的状况，形成教育到职业的良好衔接。

第二，我认为艺术市场体系也需要进一步完善，让新人有更多出头空间。传统艺术市场相对保守，更青睐成熟艺术家作品，青年艺术家往往被边缘化。未来十年应该出现更多针对青年艺术的细分市场渠道，比如青年艺术博览会、线上艺术交易平台专门板块、公共机构定向采购年轻人作品等。这是一个结构性的倾斜，要让资本和关注更多流向新生力量。当然市场不是慈善，还是需要靠作品说话，但只要有了舞台，青年艺术家才有机会找到知音。

第三，公共文化政策和社会支持也需要升级，形成对青年艺术更有利的生态土壤。我期待看到的是政府和社会各界更加重视青年文化，出台诸如青年艺术创作基金、创业补贴、公共项目配额等政策，支持年轻创作者。比如城市公共艺术项目中，能否规定一定比例委托青年艺术家？文化节庆活动里，可否设青年单元？这些顶层设计的调整会释放出大量机会，改变目前青年艺术家资源匮乏的状况。

在这个变革过程中，青年艺术100希望扮演的正是一个“连接者”和“推进者”的角色。我们处在学术、市场和公共领域交汇的独特位置，有能力去整合各方资源推动变革发生。具体来说，我们愿意做倡导者，向政策制定者和业界呼吁更多关注青年艺术的举措，用实例证明支持青年艺术可以带来怎样的价值；我们也愿做实践者，率先在我们平台内部尝试这些结构优化，比如我们已经搭建起“艺术生态联盟”，某种程度上就是在为大环境做示范——让学术、市场、公共在青年艺术这个议题上协同起来。未来我们可以复制这样的模式到不同城市和区域，通过联盟网络把资源输送到更多年轻人身上。与此同时，我们希望成为青年艺术家的坚实后盾和孵化基地。当外部环境在变革中徘徊时，我们平台内部会先尽可能提供一个健全的小生态：有展览、有评价体系、有资金支持、有社会实践机会，让青年艺术家在这里得到全面成长。一旦大环境转好，他们就能从我们这里“毕业”走向更高的平台。可以说，我们愿景中的青年艺术100，既是变革的推动者，也是变革的受益者——当整个生态焕然一新，我们的平台也将水涨船高，能够服务更多的青年艺术家。

展望未来十年，我对中国青年艺术生态充满期待。从政府、高校到市场、媒体，各方面都在逐渐认识到青年文化的价值。我相信只要大家齐心协力，一些深层次的结构瓶颈是有可能被打破的。青年艺术100会始终站在年轻艺术家这一边，做他们的发声器和护航人。在变革的洪流中，我们希望不仅见证历史，也能参与书写历史的一笔，让青年艺术真正成为推动中国文化不断向前的重要力量。

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